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  • MAS QUE UN SOBRECITO DE AZÚCAR

    El sobre no busca destacar por forma, sino por repetición. Es papel, ligero, absorbente, con una impresión que se integra al material más que imponerse sobre él. El morado cubre toda la superficie y sirve como base para un patrón decorativo que se repite sin interrupciones, generando una textura constante que funciona tanto en una unidad como en conjunto cuando hay muchos sobres juntos.

    La palabra “nuvi” usa una tipografía redondeada, gruesa, con un lenguaje cercano a familias como VAG Rounded, Fredoka o incluso Baloo en sus versiones más suaves. Las terminaciones circulares y los puntos en rosa refuerzan esa intención de cercanía, muy presente en productos de consumo masivo, especialmente en alimentos o dulces donde lo visual busca ser inmediato y accesible más que sofisticado.

    Aquí el diseño no vive en una pieza aislada, sino en acumulación. Un solo sobre funciona, pero muchos juntos construyen presencia. El papel, la tinta y el patrón trabajan como sistema. No hay intención de precisión extrema, sino de consistencia suficiente para que el objeto se reconozca rápido en cualquier contexto.

  • EL PROBLEMA DE ENVOLVER TODO EN INGLÉS

    El empaque es de cartón, rígido, pensado para contener sin deformarse. No es translúcido, pero sí acumula grasa en la superficie, dejando marcas que se van sumando con el uso. La impresión es simple: iconos de papas, bebida y hamburguesa que construyen un lenguaje reconocible sin necesidad de leer demasiado.

    La tipografía principal es una sans serif pesada, cercana a Impact o alguna de la familia grotesk extendidas de uso popular, pensadas para ser visibles en cualquier contexto. Alrededor, los dibujos funcionan como sistema repetitivo, generando una textura gráfica que cubre toda la superficie. Es un diseño que no busca identidad única, sino pertenecer a un lenguaje ya conocido.

    Lo interesante aparece en la decisión del idioma. Todo está en inglés, incluso en un contexto donde eso no es necesario. No es una elección inocente, es más bien una imitación de códigos globales. Y luego está lo otro: el empaque siempre parece más lleno de lo que realmente está. Las papas fritas nunca son suficientes, no terminan de llenar el empaque ni lograr ese propósito de satisfacer al consumidor, entonces el diseño promete más de lo que entrega, y eso también forma parte de cómo se construye la experiencia. 🥲🤣

  • IDENTIDAD EN FORMATO MINIMO

    La tapa funciona como un punto mínimo donde toda la marca tiene que resolverse. Fondo verde oscuro, tipografía blanca y un pequeño escudo centrado arriba. No hay espacio para elementos innecesarios, todo está reducido a lo esencial y organizado dentro de un círculo metálico. La palabra “Laziza” usa una tipografía inclinada que recuerda a sans serif suavizadas, con ecos de ITC Avant Garde en sus versiones más comerciales o incluso adaptaciones de Helvetica oblicua con curvas más abiertas. Es un gesto que busca cercanía sin perder claridad. 

    El contraste con el fondo verde refuerza esa legibilidad inmediata. La superficie metálica introduce una textura distinta: brillo, reflejo y pequeñas irregularidades del material. No es un soporte plano, cambia según la luz y el uso. 

    En este tipo de piezas, la identidad no se expande, se concentra. Todo tiene que funcionar en un espacio mínimo, donde cada decisión queda expuesta sin margen de error.

  • LA MARCA DEL TIEMPO COMO REGISTRO

    El objeto ya no está en su estado original, y ahí es donde empieza a mostrar otra capa. El cartón está roto, abierto en pliegues, dejando ver cómo está construido por dentro. Lo que antes era una superficie limpia ahora funciona como una sección visible del objeto, donde se combinan capas, cortes y restos de manipulación.

    La identidad sigue presente: rojo intenso sobre blanco y una tipografía serif en “Capi” que recuerda a esas referencias clásicas del tabaco, cercanas a Times o Garamond simplificado. Ahora comparte espacio con advertencias, sellos y códigos que se añaden después, generando una composición que ya no responde a una sola intención.

    La textura del desgaste —dobleces, roturas, zonas opacas— modifica la lectura original. El objeto deja de ser únicamente packaging y se convierte en registro físico de uso. Lo que se ve no es solo diseño, sino el paso del tiempo sobre él.

  • LA MAYO CRUNCH, PAPEL PARAFINADO NO PASA DESAPERCIBIDO

    Este papel parafinado forma parte de una comunicación directa y cotidiana entre un local de comida y quien recibe el producto. No está pensado para conservarse sino para usarse y desecharse, pero durante ese tiempo funciona como un pequeño soporte publicitario que acompaña la experiencia de consumo. La impresión en una sola tinta verde sobre fondo blanco responde a una lógica económica y práctica: un diseño que debe seguir siendo reconocible incluso cuando el papel se arruga o se mancha de grasa.

    El motivo principal es el nombre Mayo Crunch, repetido como patrón continuo para que la marca siempre esté presente sin importar dónde se corte o doble el envoltorio. El logotipo combina una escritura manual inclinada para “Mayo” con una sans serif gruesa y compacta para “CRUNCH”, buscando un equilibrio entre cercanía y contundencia. Alrededor aparecen palabras tratadas como dibujos —“¡BUM!”, “CRUUUNCH!” y #LANUEVAERA— junto a iconos simples como hamburguesas, envases de salsa, estrellas y manos, formando un lenguaje gráfico ligero pensado para reproducirse en serie.

    El papel parafinado funciona como una extensión del mostrador: una promoción que ocurre en las manos del cliente más que en un cartel. Este tipo de impresos demuestra cómo los materiales más simples sostienen parte de la identidad visual de un servicio, donde tipografías e ilustraciones se mezclan para construir un mensaje inmediato, funcional y cotidiano.

  • CONTACTLESS – COMO SE PORTA LA TECNOLOGIA EN 2026

    Como siempre, con cada caminata voy viendo más allá de mis pies y me logro encontrar con pequeñas piezas que calcen en la bandeja del escaneo y se pueda hacer la tarea de un desglose gráfico. A veces ni sé qué escribir, pero aquí todo va enlazado a tipografías emblemáticas.

    En esta tarjeta de Bancamiga lo primero que salta no es el chip ni el contactless, es el nombre. La palabra “Bancamiga” está construida sobre una sans serif geométrica, amable, de curvas suaves y proporciones limpias. No es una tipografía cualquiera de sistema; todo apunta a un logotipo desarrollado a medida, pero con una base muy cercana a familias como Gotham Rounded o Avenir Next Rounded.

    Arriba a la derecha aparece “black” – el tono cambia. Se abandona lo redondeado y se opta por una sans serif ligera, más neutra, más silenciosa. Muy cercana a Avenir en su versión Light o incluso a Montserrat Light. Espaciado generoso, poco peso, elegancia sin esfuerzo. Es la palabra que intenta vender estatus sin gritarlo.

    Y luego está la numeración. Ese bloque de cifras que no está pensado para gustar, sino para funcionar. Aquí entramos en terreno técnico: las tarjetas suelen usar variantes basadas en OCR-B o adaptaciones propietarias optimizadas para grabado y lectura automática. El “1” recto, el “0” ovalado perfecto, el “2” de curva controlada. No es una decisión estética pura; es legibilidad industrial, es estandarización bancaria.

  • RETÍCULAS EN SISTEMAS DE ENVÍO

    Hay algo fascinante en estas etiquetas de logística: llegan pegadas a una caja cualquiera, pero cuando te detienes a verlas de cerca descubres que son pequeños mapas de un viaje. Una prueba física del paso mano a mano, por los sistemas, por máquinas que leen códigos; y ahí es donde aparece mi interés: lo que queda impreso. El amarillo saturado de esta etiqueta no está ahí por casualidad: es un color de advertencia, casi industrial, que te obliga a mirarlo incluso arrugado o manchado y esa cualidad me gusta. 

    Ese tono agresivo, casi de señal vial, convive con la crudeza del papel térmico que envejece rápido, que se quiebra y se mancha pero sigue cumpliendo su tarea: hacerse visible.Lo que más me atrae de este tipo de piezas es cómo resuelven la jerarquía visual: todo está pensado para que alguien o algo —una máquina u operador de almacén— pueda comprenderlo sin dudar.

    En cuanto a la tipografía estoy casi que seguro del uso de Arial Black o la familia tipográfica completa, la típica sans serif condensada para los números grandes (“PZO – 372832”), puesta en Bold para que destaque incluso desde lejos – luego otra el uso en un peso mas ligero y compacto para los datos secundarios: origen, destino, peso. Y la numeración negra, contundente, impresa sin efecto ni adorno, colocada sobre un sistema de retícula completamente pragmático: columnas rígidas, alineaciones duras, bloques que se organizan en función del escaneo y no del diseño. Esa mezcla me encanta porque revela un lenguaje visual que no pretende seducir: pretende servir; y sin embargo, termina siendo estéticamente honesto.

  • REGISTRO QUE PERSISTE

    A primera vista es solo una credencial vieja, el tipo de documento que algún día alguien plastificó a la carrera para que aguantara un poco más la intemperie. Papel que ya perdió el brillo, tinta que empieza a ceder y un sello desgastado. Pero a mí me gustan estos objetos porque cargan algo más que información: son pruebas de que hubo un tránsito, un propósito, una vida en movimiento, en formatos más rígidos.

    Los textos impresos están compuestos con una tipografía seria, hecha para registrar datos sin adornos. Letras rectas, espaciadas, una Courier es el equivalente más universal, tal vez la American Typewriter; pero ambas con el típico aire administrativo. Pero al verla ahora, bajo el peso de las décadas, se vuelve otra cosa: una voz distante que todavía se mantiene firme. Y al lado, los trazos manuscritos y la tinta del sello rompen la rigidez del sistema, como si lo humano se negara a quedar del todo atrapado en la cuadrícula. 

    La pequeña foto incrustada en la esquina —esa que parece mirar directo a la cámara sin pedir permiso— me toca distinto. No es solo archivo: es una presencia. Y desde que empecé a construir este proyecto de rescatar documentos, he entendido que algunas piezas no entran aquí por lo que me remueven sin hacer ruido. Hay imágenes que se vuelven netamente personales, recordatorios de donde vengo y de lo que sigo intentando entender.

    No quiero convertir esta credencial en un homenaje explícito ni en un centro dramático del proyecto. No va por ahí; ese es otro proyecto, mas que eso un escape a los pensamientos.

  • IDENTIDADES QUE CABEN EN EL BOLSILLO

    Es curioso cómo estos papeles, hechos para durar minutos, terminan convirtiéndose en pequeñas síntesis de identidad gráfica. El rojo exacto, la geometría rígida, el azul que equilibra sin robar protagonismo… todo eso convive en un pedazo de papel que normalmente iría directo al bolsillo o a la basura. Igual, uno sin querer empieza a leerlo como si fuese parte de una colección.

    A la derecha, el contraste es otro. El recibo está desgastado, lavado, casi transparente. Esa tinta térmica que parece desvanecerse a propósito deja números apenas visibles, letras que adivinas más por memoria que por lectura. Y sin embargo, ahí queda registrada toda la coreografía del viaje: la fecha, el número de operación, los euros exactos. Es el tipo de documento que nunca viste como diseño, pero que igual tiene varios elementos: una tipografía funcional (Myriad pro), espaciados apretados, un gris que se pierde con la luz –  es un “papel fantasma”, pero uno que te devuelve el rastro de un día cualquiera.

    Lo que me gusta de juntar estos dos papeles es que, sin proponérselo, hablan de cómo se construyen las identidades visuales de una ciudad. No desde el afiche oficial ni desde la señalización perfecta, sino desde lo que realmente toca la gente:  un ticket térmico, un recibo mal impreso. Ahí también vive el diseño. Ahí se nota cómo una ciudad intenta organizarse, verse bien, ser consistente. Y a veces, cuando guardo estos papeles sin razón aparente, siento que lo que conservo no es el viaje en metro, sino la estética accidental que acompaña a todo lo cotidiano.

  • POLAROID ~ PEQUEÑAS DECISIONES QUE TAMBIÉN CUENTAN HISTORIAS

    Desarrollando un episodio para mi podcast alterno el EXTRA SEMANAL, me recordé justamente de las polaroids, que nada o mucho tienen que ver con diseño o tipografías – claro, dependiendo de la perspectiva que se aplique para dimensionar todo su significado.

    En este caso, la polaroid solo tiene una identificación tipográfica asociada a la marca que ha cambiado en el tiempo; primero la New Gothic, seguida por cambio mas evolutivo con la Neue Hass Grotesk hasta el cambio mas actual con la FF Real Head, ahora son dos tipos de películas presentadas, la propia de Polaroid y la de Kodak que usaba Helvetica y en ocasiones Futura para identificar su propia película.

    Al final, todo este ejercicio me lleva a pensar en cómo ciertos objetos quedan grabados en uno, no por lo que prometen técnicamente, sino por la manera en que se integran a la vida cotidiana. Esas decisiones de diseño que a veces pasan desapercibidas terminan siendo pequeñas referencias que uno reconoce sin pensarlo demasiado. Al revisarlas ahora, lo que encuentro no es nostalgia ni nada profundo: simplemente una forma de entender por qué ciertas cosas me siguen llamando la atención y por qué estos detalles visuales todavía se cuelan en lo que hago hoy.